Gestrickt, restauriert, gewebt, geheilt | Faserkunst | Kesha Bruce, Lizette Chirrime, Maliza Kiasuwa und Adia Millett

Morton Fine Art freut sich, „Knit, Restored, Woven, Healed“ anzukündigen, eine globale Gruppenausstellung mit Faserkunst, die sich mit den sich überschneidenden Themen Heilung, Rückgewinnung, Finden und Gefundenwerden beschäftigt. Die Ausstellung zeigt Werke der Künstlerinnen Kesha Bruce (USA), Lizette Chirrime (Mosambik), Maliza Kiasuwa (Belgien und Kenia) und Adia Millett (USA). Knit, Restored, Woven, Healed vereint die Faserkunst dieser vier Künstlerinnen, die auf drei Kontinenten arbeiten, und ist von dem Glauben an Erneuerung, Heilung und bedeutungsvolle Materialität beseelt. „Während meine Arbeit durch die Verwendung wiederverwendeter Stoffe und historischer Ikonografie eine Hommage an die Vergangenheit darstellt, blickt ihre leuchtende atheistische Bildsprache auf die Zukunft und ist von ihr geprägt“, teilte Millett mit. „Es erinnert uns an die Bedeutung der Erneuerung und des Wiederaufbaus, nicht nur durch den künstlerischen Prozess, sondern auch durch die Möglichkeit transformativer Veränderung.“ Knit, Restored, Woven, Healed wird vom 24. Mai bis 26. Juni 2024 in Mortons Räumen in Washington, DC (52 O St NW #302) zu sehen sein. Am 1. Juni findet von 2 bis 4 Uhr ein Eröffnungsempfang statt.

Chirrime und Kiasuwa setzen die von ihren Vorfahren praktizierten Techniken fort und arbeiten mit resonanten Materialien, die mit der Vergangenheit sprechen und es der Vergangenheit gleichzeitig ermöglichen, mit der Gegenwart zu sprechen. Ruhe und körperliche und geistige Heilung sind ihre gewünschten Ergebnisse. Die mosambikanische Künstlerin Chirrime bezieht Abfallmaterialien aus ihrer Umgebung und ihren unmittelbaren Gemeinschaften und verwendet Stoffe, Fäden, Seile, Farben, Stiche und mehr, um dynamische Collagen zu erstellen, die die afrikanische Weiblichkeit und den menschlichen Zustand ansprechen. Chirrimes Wechselspiel zwischen Textilien und Abstraktion, Selbst und Universum, weggeworfen und repariert, evoziert eine wechselseitige Welt von Selbst und Anderem. „Ich verwende Stoff, um Werke als eine Form der Selbstheilung zu schaffen“, sagt Chirrime. „Und gleichzeitig das Universum zu heilen.“ Chirrimes Einsatz von Kunst als therapeutisches und spirituelles Werkzeug schafft ein neu konfiguriertes Verständnis der Repräsentation und der menschlichen Natur, indem er einen Faden nach dem anderen verwendet, um Hoffnung und Heilung zu wecken. 

Kiasuwa, ein weiterer Künstler mit einer langjährigen Praxis, die auf gefundenen Objekten und den ihnen eingeschriebenen Geschichten basiert, verwendet Fäden, um unterschiedliche Materialien zu einem ineinander verschlungenen Dialog zusammenzufügen. „Faserkunst eignet sich von Natur aus für Themen wie Wachstum, Erneuerung, Wiederaufbau und Veränderung“, sagt Kiasuwa. „Die Beschaffenheit der Fasern, die gedreht, gewebt und zusammengenäht werden können, spiegelt die Verbindung und Widerstandsfähigkeit des Lebens wider. Jeder Faden ist zwar für sich genommen zerbrechlich, wird aber stark und unterstützend. Die Vielseitigkeit von Fasern ermöglicht ständiges Experimentieren und Weiterentwicklung. Ich kann Fasern auf unzählige Arten färben, bedrucken, schneiden und manipulieren und so die dynamische Natur von Veränderung und Transformation widerspiegeln.“ Kiasuwas Werke stellen oft gleichzeitig eine Vision des Austauschs zwischen Parteien dar und simulieren sie, die – auch wenn sie im Material möglicherweise dissonant sind – in der Form von einem Gefühl der Harmonie und Würde durchdrungen sind. Als bildende Künstlerin europäischer und afrikanischer Abstammung bringt Kiasuwa eine panoptische Perspektive in ihre grenzüberschreitende Arbeit ein, die das Zusammenleben zweier Welten als endlose Quelle der Inspiration und potenziellen Raum für Versöhnung betrachtet.  

Bruce ist seit über 25 Jahren als ausstellende Künstlerin tätig und hat ihr Handwerk stets darauf ausgerichtet, den Prozess des Kunstschaffens als eigenständiges Ziel einzufangen und zu fördern. Bruces Werk ist eine intuitive Kombination aus Malerei, Collage und Textilkunst und stellt den Höhepunkt einer ganzheitlichen kreativen Praxis dar, die der Künstler über mehrere Jahrzehnte hinweg entwickelt hat und die sich häufig mit Themen wie Leben, Erneuerung und Heilung befasst. „So viele der Materialien, die ich in meiner Arbeit verwende, haben auf magische Weise ihren Weg zu mir gefunden. Ich glaube, ich habe mich vor Jahren mehr damit beschäftigt, was es bedeutet, gefundene Materialien oder hergestellte oder im Laden gekaufte Materialien zu verwenden, aber jetzt habe ich mich völlig der Idee hingegeben, mich von Objekten, Stoffen und Materialien finden zu lassen“, sagte Bruce. Ihre Mixed-Media-Kompositionen, die die Künstlerin einfach als Gemälde bezeichnet, sind in Wirklichkeit Patchworks aus bemalten Stoffen, die einzeln aus Bruce‘ umfangreichem Archiv ausgewählt und in einer Textilcollage, die manchmal einer Steppdecke ähneln kann, direkt auf die Leinwand geklebt werden. Als Ergebnis einer langsamen und fortwährenden künstlerischen Methode stellt jedes Werk stundenlange Behandlung, Auswahl und Gegenüberstellung dar, bis das Ganze offensichtlich größer wird als seine Teile. Bruces Prozess endet mit der Betitelung jedes Werks: eine poetische Artikulation dessen, was das Werk zu diesem Zeitpunkt für sich selbst ausdrücken kann. 

Milletts Arbeit verwebt Fäden schwarzer amerikanischer Erfahrungen mit umfassenderen Vorstellungen von Identität und kollektiver Geschichte und weist auf die fragile Vernetzung aller Lebewesen hin. Millett konstruiert Werke, die aus lebendigen und strukturierten Fragmenten zusammengesetzt sind, um eine Bedeutung zu schaffen, die über die einzelnen Elemente hinausgeht, und beleuchtet die mehrdimensionalen Parallelen zwischen dem kreativen Prozess und der persönlichen Identität. Ihre Textilien, die auf den häuslichen und künstlerischen Traditionen der Steppdeckenherstellung basieren, fügen sich zu einer Kombination aus kulturell vielfältigen, oft wiederverwendeten Stoffen und historischer Ikonographie zusammen.

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Morton Fine Art

Morton Fine Art (MFA) wurde 2010 in Washington, D.C. von der Kuratorin Amy Morton gegründet und ist eine Kunstgalerie und Kuratorengruppe, die mit Kunstsammlern und bildenden Künstlern zusammenarbeitet, um neue Wege für den Erwerb zeitgenössischer Kunst zu inspirieren. MFA ist fest davon überzeugt, dass das Sammeln von Kunst durch eine pädagogische Haltung gefördert werden kann, und hat es sich zur Aufgabe gemacht, durch eine Kombination aus inhaltlichen Ausstellungen und einer einladenden Plattform für Dialog und Austausch origineller Stimmen den Zugang zu zeitgenössischer Kunst in Museumsqualität zu ermöglichen. Morton Fine Art ist auf eine herausragende Liste national und international renommierter Künstler spezialisiert und legt einen zusätzlichen Schwerpunkt auf Kunstwerke der afrikanischen Diaspora.

Kesha Bruce (Arizona, geb. 1975, Iowa). Bruce wurde in Iowa geboren und wuchs dort auf. Er absolvierte ein BFA an der University of Iowa, bevor er einen MFA in Malerei am Hunter College in New York City erwarb. Bruce erhielt Stipendien von der New York Foundation for the Arts (NYFA), dem Vermont Studio Center, der CAMAC Foundation und der Puffin Foundation. Ihre Arbeiten sind in den Sammlungen des Smithsonian Museum of African American History and Culture (14 Stücke), des Amistad Center for Art and Culture, des University of Iowa Women's Center, der En Foco Photography Collection und der Franklin Furnace Artist Book Collection des MOMA enthalten. Seit 2011 wird sie von Morton Fine Art vertreten.

Zusätzlich zu ihrer Studiopraxis ist Bruce seit 2019 Artist Programs Manager bei der Arizona Commission on the Arts. Sie fungiert außerdem als Vorstandsvorsitzende des Tessera Art Collective, einer gemeinnützigen Organisation, die die Arbeit und Praktiken von Tessera Art Collective unterstützt und fördert BIPOC-Künstlerinnen, die in der Abstraktion arbeiten. Bruce ist außerdem Mitbegründer von Black Girl Basel – der einzigen Veranstaltung während der Miami Art Week, die gezielt für schwarze Künstlerinnen, Kreative, Unternehmerinnen, Aktivistinnen und kulturelle Verändererinnen ins Leben gerufen wurde.

Lizette Chirrime (Inhambane, Mosambik, geb. Mosambik) kreiert aufwendige Stoffcollagen auf Leinwand, die gleichzeitig feierlich und herzergreifend sind, während die Künstlerin zwischen Figuration und Abstraktion flirtet, um eine einzigartige – und eindeutig afrikanische – Bildsprache zu entwickeln. Durch das Zusammennähen bedruckter Stoffe, Perlen und anderer bekannter Objekte im südlichen Afrika verwandelt Chirrime einfache Materialien in autobiografische und erzählerische Tableaus voller tief empfundener Emotionen und Bedeutungsmuster. Viele ihrer Collagen drehen sich um mütterliche Figuren und Geschichten afrikanischer Mutterschaft, würdigen ihr jahrtausendealtes Erbe an Stärke und Anmut und stellen ihre Darstellung als symbolisches Mittel dar. 

Nach einem dreimonatigen Aufenthalt in den Greatmore Studios in Kapstadt im Jahr 2005 verbrachte Chirrime die nächsten 16 Jahre ihrer Praxis in Südafrika. Im Jahr 2021 kehrte sie in ihr Heimatland Mosambik zurück, wo sie heute lebt und weiterhin kreiert. 

Maliza Kiasuwa (geb. 1975, Demokratische Republik Kongo) ist eine bildende Künstlerin europäischer und afrikanischer Abstammung. Sie lebt und arbeitet in Europa und Kenia, wo sie Kunst mit anregenden und vielseitigen Elementen schafft, die die mystische Kraft der Natur Afrikas zelebriert, indem sie Rohstoffe und traditionelle Energiesymbole verwendet, die durch die Adern des Kontinents fließen. Sie verwandelt Alltagsgegenstände, indem sie reduktive Methoden des Zerkleinerns und Zwirnens mit konstruktiven Verfahren des Bindens, Webens, Nähens und Färbens kombiniert. Der Prozess ist fließend, konzentriert und meditativ. Kiasuwa hat in Kenia, der Schweiz, Italien, England und den Vereinigten Staaten ausgestellt. 

Adia Millett, ursprünglich aus Los Angeles, Kalifornien, erhielt ihren MFA vom California Institute of the Arts. Im Jahr 2001 zog sie für das renommierte Whitney Museum Independent Study Program nach New York City, gefolgt vom Studio Museum in Harlem Residenzprogramm. Millett erhielt ihren BFA von der University of California, Berkeley und einen MFA vom California Institute of Arts. Sie war Artist-in-Residence am Whitney Museum Independent Study Program und am Studio Museum in Harlem. Sie hat in bedeutenden Institutionen ausgestellt, darunter im New Museum, New York; PS 1, New York; Museum der afrikanischen Diaspora, San Francisco; Oakland Museum, Kalifornien; Crocker Art Museum, Sacramento; Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco; Santa Monica Museum of Art, Kalifornien; Das Museum für zeitgenössische Kunst, Atlanta; Das Contemporary Art Center, New Orleans; Barbican Gallery, London, San Jose Quilt and Textile Museum; und im California African American Museum, Los Angeles, wo 2019 eine von der Kritik gefeierte Einzelausstellung ihrer Arbeiten stattfand. Millett unterrichtete am Columbia College in Chicago, an der UC Santa Cruz, an der Cooper Union in NY und am California College of the Arts. Millett lebt derzeit in Oakland, Kalifornien.