Dzianina, odrestaurowana, tkana, zagojona | Sztuka Włókna | Kesha Bruce, Lizette Chirrime, Maliza Kiasuwa i Adia Millett

Morton Fine Art ma przyjemność ogłosić Knit, Restored, Woven, Healed, globalną zbiorową wystawę sztuki włókienniczej eksplorującą nakładające się tematy uzdrawiania, rekultywacji, znajdowania i bycia odnalezionym. Na wystawie prezentowane są prace artystek Keshy Bruce (USA), Lizette Chirrime (Mozambik), Malizy Kiasuwa (Belgia i Kenia) oraz Adii Millett (USA). Łącząc sztukę włókienniczą czterech artystek pracujących na trzech kontynentach, Knit, Restored, Woven, Healed ożywia wiara w odnowę, uzdrowienie i znaczącą materialność. „Chociaż moje prace składają hołd przeszłości poprzez wykorzystanie ponownie wykorzystanych tkanin i ikonografii historycznej, ich jasne, ateistyczne obrazy nawiązują do przyszłości i są z niej czerpane” – powiedział Millett. „Przypomina nam o znaczeniu odnowy i odbudowy, nie tylko poprzez proces artystyczny, ale także poprzez możliwość transformacji”. Wystawę Knit, Restored, Woven, Healed będzie można oglądać od 24 maja do 26 czerwca 2024 r. w przestrzeni Morton's Washington, DC (52 O St NW #302). Uroczyste otwarcie odbędzie się 1 czerwca w godzinach 2:4-XNUMX:XNUMX.

Kontynuując techniki praktykowane przez swoich przodków, Chirrime i Kiasuwa pracują z materiałami rezonansowymi, które przemawiają do przeszłości, jednocześnie umożliwiając przeszłości rozmowę z teraźniejszością. Odpoczynek oraz uzdrowienie fizyczne i duchowe są pożądanymi rezultatami. Mozambicka artystka Chirrime pozyskuje złom ze swojego otoczenia i bezpośrednich społeczności, używając tkanin, nici, lin, farb, ściegów i innych elementów, aby stworzyć dynamiczne kolaże, które przemawiają do afrykańskiej kobiecości i kondycji ludzkiej. Wzajemne oddziaływanie Chirrime pomiędzy tekstyliami i abstrakcją, sobą i wszechświatem, odrzuconymi i naprawionymi, przywołuje wzajemny świat siebie i innych. „Do tworzenia dzieł używam tkanin, traktując je jako formę samoleczenia” – mówi Chirrime. „A jednocześnie uzdrowić Wszechświat.” Wykorzystanie przez Chirrime sztuki jako narzędzia terapeutycznego i duchowego tworzy na nowo skonfigurowane rozumienie reprezentacji i natury ludzkiej, wykorzystując nić za kolorową nicią, aby inspirować nadzieję i uzdrowienie. 

Kiasuwa, kolejna artystka z wieloletnią praktyką zakorzenioną w znalezionych przedmiotach i zapisanych w nich historiach, używa nici do zszywania odmiennych materiałów w przeplatający się dialog. „Sztuka włókna jest z natury dostosowana do tematów wzrostu, odnowy, odbudowy i zmian” – mówi Kiasuwa. „Natura włókien, które można skręcać, tkać i zszywać, odzwierciedla połączenie i odporność, jakie można znaleźć w życiu. Każda nić, choć sama w sobie delikatna, staje się silna i wspierająca. Wszechstronność włókien pozwala na ciągłe eksperymentowanie i ewolucję. Mogę farbować, drukować, wycinać i manipulować włóknami na nieskończone sposoby, odzwierciedlając dynamiczną naturę zmian i transformacji. Prace Kiasuwa często jednocześnie ukazują i symulują wizję wymiany między stronami, która – choć materialnie może być dysonansowa – przepojona jest poczuciem harmonii i godności formy. Jako artystka wizualna pochodzenia europejskiego i afrykańskiego Kiasuwa wnosi do swojej przekraczającej granice twórczości perspektywę panoptyczną, która postrzega współistnienie dwóch światów jako niewyczerpane źródło inspiracji i potencjalną przestrzeń pojednania.  

Bruce, będąca artystką wystawiającą od ponad 25 lat, stale ukierunkowuje swoje rzemiosło na uchwycenie i wspieranie procesu tworzenia sztuki jako celu samego w sobie. Intuicyjne połączenie malarstwa, kolażu i sztuki tekstylnej, prace Bruce'a stanowią kulminację holistycznej praktyki twórczej rozwijanej przez artystę przez kilka dziesięcioleci, często poruszającej tematy życia, odnowy i uzdrawiania. „Wiele materiałów, których używam w swojej pracy, w magiczny sposób trafiło do mnie. Wiele lat temu bardziej zastanawiałem się, co to znaczy używać materiałów znalezionych lub stworzonych lub kupionych w sklepie, ale teraz całkowicie poddałem się idei pozwalania, aby przedmioty, tkaniny i materiały znalazły mnie” – powiedział Bruce. Nazywane przez artystkę po prostu obrazami, jej kompozycje mieszane są w rzeczywistości patchworkami z malowanej tkaniny, indywidualnie wybranej z ogromnego archiwum Bruce'a i naklejonej bezpośrednio na płótno w formie tekstylnego kolażu, który czasami może przypominać kołdrę. Każde dzieło, będące efektem powolnej i nieustannej metody artystycznej, to godziny obróbki, selekcji i zestawiania, aż całość stanie się wyraźnie większa niż jej części. Proces Bruce kończy się nadaniem tytułu każdemu dziełu: poetyckim określeniem tego, co dzieło jest w stanie w tym momencie wyrazić. 

Praca Milletta splata wątki doświadczeń Czarnych Amerykanów z szerszymi koncepcjami tożsamości i historii zbiorowej, sugerując kruche wzajemne powiązania między wszystkimi żywymi istotami. Konstruując dzieła złożone z żywych i teksturowanych fragmentów, aby nadać im znaczenie większe niż poszczególne elementy, Millett rzuca światło na wielowymiarowe podobieństwa między procesem twórczym a tożsamością osobistą. Jej tekstylia, czerpiące z rodzimych i artystycznych tradycji pikowania, łączą w sobie różnorodne kulturowo, często wykorzystywane w inny sposób tkaniny i historyczną ikonografię.

-

Sztuka Mortona

Założona w 2010 roku w Waszyngtonie przez kuratorkę Amy Morton, Morton Fine Art (MFA) to galeria sztuki pięknej i grupa kuratorska, która współpracuje z kolekcjonerami sztuki i artystami wizualnymi, aby inspirować nowe sposoby zdobywania sztuki współczesnej. Mocno wierząc, że kolekcjonowanie dzieł sztuki można kultywować poprzez postawę edukacyjną, misją MSZ jest zapewnienie dostępności sztuki współczesnej o jakości muzealnej poprzez połączenie merytorycznych wystaw i przyjaznej platformy dialogu i wymiany oryginalnego głosu. Morton Fine Art specjalizuje się w twórczości znakomitych artystów o międzynarodowej renomie w kraju i za granicą, a także koncentruje się dodatkowo na dziełach sztuki afrykańskiej diaspory.

Kesha Bruce (Arizona ur. 1975, Iowa). Urodzony i wychowany w Iowa, Bruce ukończył studia BFA na Uniwersytecie Iowa, a następnie uzyskał tytuł magistra malarstwa w Hunter College w Nowym Jorku. Bruce był stypendystą New York Foundation for the Arts (NYFA), Vermont Studio Center, The CAMAC Foundation i Puffin Foundation. Jej prace znajdują się w zbiorach Smithsonian Museum of African American History and Culture (14 egzemplarzy), Amistad Center for Art and Culture, The University of Iowa Women's Center, The En Foco Photography Collection i Franklin Furnace Artist Book Collection MOMA. Od 2011 roku jest reprezentowana przez Morton Fine Art.

Oprócz praktyki studyjnej Bruce od 2019 r. pełni funkcję menedżera ds. programów artystycznych w Arizona Commission on the Arts. Jest także przewodniczącą zarządu Tessera Art Collective, organizacji non-profit, która wspiera i podnosi jakość pracy i praktyk artystów Artystki BIPOC zajmujące się abstrakcją. Bruce jest także współzałożycielką Black Girl Basel – jedynego wydarzenia podczas Miami Art Week stworzonego celowo dla czarnoskórych artystek, kreatywnych, przedsiębiorców, aktywistek i twórców zmian kulturowych.

Lizette Chirrime (Inhambane, Mozambik b. Mozambik) tworzy na płótnie skomplikowane kolaże z tkanin, które są jednocześnie uroczyste i poruszające duszę, ponieważ artystka flirtuje między figuracją a abstrakcją, aby opracować unikalny – i wyraźnie afrykański – język wizualny. Łącząc drukowane tkaniny, koraliki i inne znane przedmioty z Afryki Południowej, Chirrime przekształca proste materiały w autobiograficzne i narracyjne obrazy przepełnione głęboko odczuwanymi emocjami i wzorami znaczeń. Wiele jej kolaży koncentruje się na postaciach matek i opowieściach o afrykańskim macierzyństwie, oddając hołd ich tysiącletniemu dziedzictwu siły i wdzięku oraz uznając ich przedstawienie za symboliczne narzędzie. 

Po odbyciu trzymiesięcznej rezydentury w Greatmore Studios w Cape Town w 2005 roku Chirrime spędziła kolejne 16 lat swojej praktyki w Republice Południowej Afryki. W 2021 roku wróciła do rodzinnego Mozambiku, gdzie obecnie mieszka i nadal tworzy. 

Maliza Kiasuwa (ur. 1975 w Demokratycznej Republice Konga) jest artystką wizualną pochodzenia europejskiego i afrykańskiego. Mieszka i pracuje w Europie i Kenii, gdzie tworzy sztukę zawierającą stymulujące i eklektyczne elementy, celebrującą mistyczną siłę afrykańskiej natury, wykorzystując surowce i tradycyjne symbole energii przepływające żyłami kontynentu. Przekształca przedmioty codziennego użytku, łącząc redukcyjne metody rozdrabniania i skręcania z konstruktywnymi procesami wiązania, tkania, szycia i farbowania. Proces jest płynny, skoncentrowany i medytacyjny. Kiasuwa wystawiała w Kenii, Szwajcarii, Włoszech, Anglii i Stanach Zjednoczonych. 

Adia Millett, pochodząca z Los Angeles w Kalifornii, uzyskała tytuł magistra sztuk pięknych w California Institute of the Arts. W 2001 roku przeniosła się do Nowego Jorku w ramach prestiżowego programu studiów niezależnych Whitney Museum, a następnie rezydencji Studio Museum w Harlemie. Millett uzyskała tytuł BFA na Uniwersytecie Kalifornijskim w Berkeley oraz tytuł magistra w California Institute of Arts. Była artystką-rezydentką w programie studiów niezależnych Whitney Museum i Muzeum Studio w Harlemie. Wystawiała w znanych instytucjach, w tym w New Museum w Nowym Jorku; PS 1, Nowy Jork; Muzeum Diaspory Afrykańskiej, San Francisco; Muzeum Oakland, Kalifornia; Muzeum Sztuki Crockera, Sacramento; Centrum Sztuki Yerba Buena, San Francisco; Muzeum Sztuki w Santa Monica, Kalifornia; Muzeum Sztuki Współczesnej w Atlancie; Centrum Sztuki Współczesnej w Nowym Orleanie; Galeria Barbican, Londyn, Muzeum Kołder i Tekstyliów San Jose; oraz w California African American Museum w Los Angeles, gdzie w 2019 r. zorganizowano docenioną przez krytyków indywidualną wystawę jej prac. Millett wykładała w Columbia College w Chicago, na Uniwersytecie Kalifornijskim w Santa Cruz, Cooper Union w Nowym Jorku i California College of the Arts. Millett obecnie mieszka w Oakland w Kalifornii.