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Morton Fine Arts apresenta uma exposição global de arte em fibra que explora a cura, a recuperação, a descoberta e o ser encontrado
A Morton Fine Art tem o prazer de anunciar Knit, Restored, Woven, Healed, uma exposição coletiva global de arte em fibra que explora temas sobrepostos de cura, recuperação, descoberta e ser encontrado. A exposição apresenta trabalhos dos artistas Kesha Bruce (EUA), Lizette Chirrime (Moçambique), Maliza Kiasuwa (Bélgica e Quénia) e Adia Millett (EUA). Reunindo arte em fibra dessas quatro artistas que trabalham em três continentes, Knit, Restored, Woven, Healed é animado por uma crença na renovação, na cura e na materialidade significativa. “Embora meu trabalho homenageie o passado por meio do uso de tecidos reaproveitados e iconografia histórica, suas imagens ateístas brilhantes olham para o futuro e são informadas por ele”, compartilhou Millett. “Isso nos lembra a importância da renovação e da reconstrução, não apenas através do processo artístico, mas também através da possibilidade de mudança transformadora.” Knit, Restored, Woven, Healed estará em exibição de 24 de maio a 26 de junho de 2024 no espaço Morton's Washington, DC (52 O St NW #302). A recepção de abertura será realizada no dia 1º de junho, das 2h às 4h.
Dando continuidade às técnicas praticadas pelos seus antepassados, Chirrime e Kiasuwa trabalham com materiais ressonantes que falam ao passado, ao mesmo tempo que permitem que o passado fale ao presente. Descanso e cura física e espiritual são os resultados desejados. A artista moçambicana Chirrime obtém materiais de sucata do seu ambiente e das comunidades imediatas, usando tecido, linha, corda, tinta, pontos e muito mais para produzir colagens dinâmicas que falam da feminilidade africana e da condição humana. A interação de Chirrime entre os têxteis e a abstração, o eu e o universo, descartados e reparados, evoca um mundo recíproco do eu e do outro. “Eu uso tecido para criar obras como uma forma de autocura”, diz Chirrime. “E simultaneamente para curar o Universo.” O uso da arte por Chirrime como ferramenta terapêutica e espiritual cria uma compreensão reconfigurada da representação e da natureza humana, usando fio após fio colorido para inspirar esperança e cura.
Outro artista com uma prática de longa data enraizada em objetos encontrados e nas histórias que os inscrevem, Kiasuwa usa linha para costurar materiais díspares em um diálogo entrelaçado. “A arte em fibra é inerentemente adequada a temas de crescimento, renovação, reconstrução e mudança”, partilha Kiasuwa. “A natureza das fibras, que podem ser torcidas, tecidas e costuradas, reflete a conexão e a resiliência encontradas na vida. Cada fio, embora frágil por si só, torna-se forte e sustentador. A versatilidade da fibra permite constante experimentação e evolução. Posso tingir, imprimir, cortar e manipular fibras de inúmeras maneiras, refletindo a natureza dinâmica da mudança e da transformação.” As obras de Kiasuwa muitas vezes retratam e simulam simultaneamente uma visão de troca entre partes que – embora possivelmente dissonantes em termos materiais – estão imbuídas de um sentido de harmonia e dignidade na forma. Como artista visual de ascendência europeia e africana, Kiasuwa traz uma perspectiva panóptica ao seu trabalho de passagem de fronteiras, que considera a coexistência de dois mundos como uma fonte inesgotável de inspiração e um espaço potencial para reconciliação.
Artista expositora há mais de 25 anos, Bruce tem orientado constantemente seu ofício para capturar e incentivar o processo de criação artística como um fim em si mesmo. Uma combinação intuitiva de pintura, colagem e arte têxtil, o trabalho de Bruce representa o culminar de uma prática criativa holística desenvolvida pelo artista ao longo de várias décadas, abordando frequentemente temas de vida, renovação e cura. “Muitos dos materiais que uso em meu trabalho chegaram magicamente até mim. Anos atrás, acho que estava mais preocupado com o que significava usar materiais encontrados ou materiais criados ou comprados em lojas, mas agora me rendi completamente à ideia de deixar objetos, tecidos e materiais me encontrarem”, disse Bruce. Chamadas pela artista simplesmente de pinturas, suas composições de mídia mista são, na verdade, retalhos de tecido pintado, selecionados individualmente do vasto arquivo de Bruce e colados diretamente na tela em uma colagem têxtil que às vezes pode se assemelhar a uma colcha. Resultado de um método artístico lento e perpétuo, cada obra representa horas de tratamento, seleção e justaposição até que o todo se torne manifestamente maior que as suas partes. O processo de Bruce termina com a titulação de cada obra: uma articulação poética do que a obra é, neste ponto, capaz de expressar por si mesma.
O trabalho de Millett tece fios de experiências negras americanas com ideias mais amplas de identidade e história coletiva, sugerindo a frágil interconectividade entre todos os seres vivos. Construindo obras montadas a partir de fragmentos vibrantes e texturizados para moldar um significado maior do que seus elementos individuais, Millett ilumina os paralelos multidimensionais entre o processo criativo e a identidade pessoal. Os seus têxteis, que se baseiam nas tradições domésticas e artísticas da confecção de colchas, reúnem-se para combinar tecidos culturalmente diversos, muitas vezes reaproveitados, e iconografia histórica.
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Arte Morton
Fundada em 2010 em Washington, DC pela curadora Amy Morton, a Morton Fine Art (MFA) é uma galeria de belas artes e grupo curatorial que colabora com colecionadores de arte e artistas visuais para inspirar novas formas de adquirir arte contemporânea. Firmemente comprometido com a crença de que o colecionismo de arte pode ser cultivado através de uma postura educacional, a missão do MFA é proporcionar acessibilidade à arte contemporânea com qualidade de museu através de uma combinação de exposições substanciais e uma plataforma acolhedora para o diálogo e a troca de vozes originais. A Morton Fine Art é especializada em uma lista estelar de artistas de renome nacional e internacional, além de ter um foco adicional em obras de arte da diáspora africana.
Kesha Bruce (Arizona nascida em 1975, Iowa). Nascido e criado em Iowa, Bruce concluiu um bacharelado pela Universidade de Iowa antes de obter um mestrado em pintura pelo Hunter College, na cidade de Nova York. Bruce recebeu bolsas da Fundação para as Artes de Nova York (NYFA), do Vermont Studio Center, da Fundação CAMAC e da Fundação Puffin. Seu trabalho está incluído nas coleções do Museu Smithsonian de História e Cultura Afro-Americana (14 peças), do Centro Amistad de Arte e Cultura, do Centro Feminino da Universidade de Iowa, da Coleção de Fotografia En Foco e da Coleção de Livros de Artista Franklin Furnace do MOMA. Ela é representada pela Morton Fine Art desde 2011.
Além de sua prática de estúdio, Bruce é gerente de programas artísticos na Comissão de Artes do Arizona desde 2019. Ela também atua como presidente do conselho do Tessera Art Collective, uma organização sem fins lucrativos que apoia e eleva o trabalho e as práticas de Mulheres artistas BIPOC trabalhando em abstração. Bruce também é cofundador da Black Girl Basel - o único evento durante a Miami Art Week criado intencionalmente para mulheres negras artistas, criativas, empreendedoras, ativistas e agentes de mudança cultural.
Lizette Chirrime (Inhambane, Moçambique b. Moçambique) cria intrincadas colagens de tecido sobre tela que são ao mesmo tempo comemorativas e comoventes, enquanto a artista flerta entre a figuração e a abstração para desenvolver uma linguagem visual única – e distintamente africana. Costurando tecidos estampados, miçangas e outros objetos familiares na África Austral, Chirrime transforma materiais simples em quadros autobiográficos e narrativos carregados de emoções profundas e padrões de significado. Muitas das suas colagens centram-se em figuras maternas e histórias da maternidade africana, honrando o seu legado milenar de força e graça e postulando a sua representação como um dispositivo simbólico.
Depois de receber uma residência de três meses no Greatmore Studios na Cidade do Cabo em 2005, Chirrime passou os 16 anos seguintes de prática na África do Sul. Em 2021 regressou ao seu país natal, Moçambique, onde vive e continua a criar.
Maliza Kiasuwa (n. 1975, República Democrática do Congo), é uma artista visual de ascendência europeia e africana. Vive e trabalha na Europa e no Quénia, onde cria arte com elementos estimulantes e ecléticos, celebrando o poder místico da natureza em África, utilizando matérias-primas e símbolos tradicionais de energia que correm nas veias do continente. Ela transforma artigos do cotidiano combinando métodos redutores de trituração e torção com processos construtivos de amarrar, tecer, costurar e tingir. O processo é fluido, focado e meditativo. Kiasuwa expôs no Quênia, Suíça, Itália, Inglaterra e Estados Unidos.
Adia Millett, originalmente de Los Angeles, Califórnia, recebeu seu mestrado do California Institute of the Arts. Em 2001, ela se mudou para a cidade de Nova York para o prestigiado Whitney Museum Independent Study Program, seguido pelo programa de residência Studio Museum in Harlem. Millett recebeu seu BFA da Universidade da Califórnia, Berkeley e um MFA do California Institute of Arts. Ela foi artista residente no Whitney Museum Independent Study Program e no Studio Museum no Harlem. Ela expôs em instituições proeminentes, incluindo o New Museum, Nova York; PS 1, Nova York; Museu da Diáspora Africana, São Francisco; Museu de Oakland, CA; Museu de Arte Crocker, Sacramento; Centro de Artes Yerba Buena, São Francisco; Museu de Arte de Santa Mônica, CA; O Museu de Arte Contemporânea de Atlanta; O Centro de Arte Contemporânea, Nova Orleans; Barbican Gallery, Londres, San Jose Quilt and Textile Museum; e no California African American Museum, em Los Angeles, que organizou uma exposição individual de seu trabalho aclamada pela crítica em 2019. Millett lecionou no Columbia College em Chicago, na UC Santa Cruz, na Cooper Union em NY e no California College of the Arts. Millett atualmente reside em Oakland, Califórnia.
